Епоха Мейдзі, яка тривала з 1868 до 1912 року, стала переломним моментом в історії Японії. Її характеризують як час кардинальних змін, адже за дуже короткий період ця закрита феодальна країна змогла стати великою світовою державою. Коли влада перейшла до імператора Муцухіто, він взяв собі ім'я "Мейдзі", що в перекладі з японської означало "освічене правління" (mei 明 = світло, знання; ji 治 = уряд). Ідеологія його реформ полягала у «реставрації» влади імператора та відродженні справжніх японських цінностей.

 


Імператор Мэйдзі (1852-1912) - 122-й імператор Японії, що зійшов на престол 3 февраля 1867 і правив аж до своєї смерті
 

Японія багато в чому перейняла досвід Заходу і стала на шлях модернізації, яка залишила величезний слід в історії. У результаті країні вдалося за кілька десятиліть перейти від Середньовіччя до сучасності, повністю змінивши політичну, економічну та культурну сфери життя.

 

Традиційне мистецтво Японії в епоху Мейдзі так само відчуло на собі віяння нових традицій та використання нових технік. При цьому власні традиції японців не залишилися поза увагою - вони лише доповнилися новими ідеями, мотивами та формами, повністю зберігши свою ідентичність. Більш того, багато художників з різних країн почали звертати увагу на особливості японської культури та привносити її елементи у свою творчість. Особливо яскраво використання елементів японського стилю виявилося у скульптурі, живописі та декоративно-прикладному мистецтві.

 

ЖИВОПИС ТА СКУЛЬПТУРА

 

Японські художники, в свою чергу, освоїли живопис олією. Загалом на живопис епохи Мейдзі вплинули такі напрямки, як реалізм, імпресіонізм і постімпресіонізм. У 1887 році в Токіо була заснована нова школа образотворчих мистецтв національного напрямку, а в 1907 році – перший офіційний «Салон мистецтв».
.

 

Серед художників набули популярності Кано Хогай (1828–1888), Сімомура Кандзан (1873–1916), Такеуті Сейхо (1864–1924) та Томіока Тессай (1836–1942). Вони дотримувалися традиційного японського стилю та мотивів, проте не боялися проявляти оригінальність у настрої та техніці. Найближче до розробки нового стилю підійшов Томіока Тессай. Його твори набули нового характеру завдяки грубим, викривленим лініям та плямам чорної туші, які гармонійно поєднувалися з тонко виписаними ділянками кольору.

 

 
1. "Скумбрії" Seiho Takeuchi (1864-1942)
2. "Дракони" Kano Hogai (1828-1888)

 

В Епоху Мейдзі скульптура, як і раніше, не мала великої популярності. Але в цій галузі теж було багато новаторів. Бронзові скульптури епохи відображають властиве японцям почуття лінії та кольору, що проявляється у використанні м'якої зеленої чи теплої коричневої патини.

 


Пара японських патиновних та частково позолочених бронзових ваз: Bankei краде храмовый дзвін Mii-Dera,
клеймо майстерні Miyao Eisuke, період Мэйдзи близько 1868-1912 рр.
Продані на аукционі за $ 24.000 у вересні 2017 року
 
 
Сосаку ханга - японська «творчий друк» чи гравюра, з'явилася лише в першому десятилітті 20 ст., проте одразу стала справжнім проривом у сучасному мистецтві. Японські художники знайшли у гравюрі нові можливості для втілення своїх творчих ідей. Працюючи з сосаку-ханга застосовувалася велика кількість сучасних західних технік гравюри, але водночас зберігалися елементи традиційної японської ксилографії. У тому числі японці продовжили експерименти з дерев'яними друкованими дошками, які дозволяли створити унікальні ефекти фактури поверхні друкованого листа. В авторській гравюрі з'явились нові теми та сюжети. Такі художники, як Онті Косіро, Хірацука Уньїті та Маекава Семпан, багато зробили для того, щоб зробити гравюру гідною гілкою витончених мистецтв. Вони викликали інтерес у багатьох молодих художників, які зробили свій внесок у розвиток цього напрямку.
 

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНЕ МИСТЕЦТВО

 

Найбільш значущими видами декоративно-прикладного мистецтва вважалися кераміка та порцеляна. Процес виготовлення справжньої порцеляни став відомий японцям наприкінці 16 або початку 17 ст. - це були тарілки і чаші з гладкою глазур'ю та асиметричними малюнками. На відміну від порцеляни, у грубому посуді з глини або кам'яної маси увага акцентувалася на матеріалі та унікальному розташуванні декоративних елементів. Такий посуд був створений у традиціях дзен-буддизму і користувався популярністю в інтелектуальних колах. Деякі з найпростіших типів та технік виготовлення судин ґрунтувалися на традиціях народного ремесла. Навіть сучасні майстерні, продовжуючи старі традиції, виготовляють чудові вироби, що відрізняються елегантною простотою.
 

У результаті, до середини ХІХ століття японському фарфоровому мистецтві сформувалося кілька основних стилів, кожен із яких залишив слід у розвитку прикладного мистецтва: Імарі (Аріта), Якіемон, Набесіма, Кутані, Кё (Кіото), Сацума.

 


Парні вази в техниці Імарі, період Мэйдзі, приблизно 1868-1912 рр.

 


Перлиною традиційного мистецтва були фарфорові вироби у стилі Сацума. До XVI століття у печах Сацума-які на острові Кюсю вироблялася традиційна японська кераміка. Але одного разу сьоґун Тойотомі Хідеосі з військового походу до Північної Кореї привіз 80 майстрів-керамістів. Форсування виробництва оригінальної японської порцеляни почалося в тому числі і на Кюсю, де біля села Сейгава було виявлено родовища фарфорового каменю. Місцева глина після випалу перетворювалася на висококласну, тонкостінну, білу порцеляну. Тому вироби в стилі Сацума можна розділити на дві принципово не схожі категорії: оригінальна, темна кераміка Ко-сацума раннього періоду та вишукано декорована, тонкостінна порцеляна Ке-сацума з Кіото, призначена для експорту, пізнього періоду.

 


Музейний експонат школи Унзан - подвійна ваза в техниці Сацума, Тенага, Анімана. Продана на аукционі за $ 8800 у червні 2018 року

 

Епоха Мейдзі також стала розквітом мистецтва емалі. Саме в цей час техніки декорування посуду та інших предметів було доведено до досконалості. Однією з найпоширеніших була традиційна техніка Клуазоне – спосіб створення предметів із емальованого металу, прикрашених складними візерунками. При роботі в техніці перегородчастої емалі на металеву поверхню напоювали дріт або смужки, а комірки, що утворилися таким чином, наповнювали скляною масою - емаллю. Вази та посуд прикрашалися емаллю з використанням однотонного, іноді контрастного чорного дзеркального фону з переходами відтінків кольору або чіткими лініями малюнка орнаменту. Особливістю емалевих виробів була натуралістичність зображень - найчастіше птахів, квітів чи пейзажів. У 70-х роках 19 століття японська перегородчаста емаль ще виконувалася в китайському стилі, але вже у 80-х роках японські майстри розвинули оригінальний національний стиль, естетика якого різко відрізнялася від китайської. Серед митців, які творять у цій галузі, можна відзначити Намікава Ясуюкі, Намікава Сосуке, Андо Дзюбей, Хаясі Кодендзі.

 


Авторські вази в техниці клуазоне, виповнені майстром Ando Jubei

 

Техніка виготовлення виробів з емаллю була надзвичайно дорогою, вимагала великих витрат, натхнення, зусиль і часу. Можливо, цим пояснюється той факт, що із закінченням епохи Мейдзі більшість майстерень припинила своє існування, а невдовзі було втрачено вироблені роками та досвідом навички.

 

Японська бронзова скульптура малих форм теж належить до предметів, які яскраво характеризують національні традиції, естетику, побутовий уклад країни та відповідають уявленням японців про прекрасне. Японська бронза - це своєрідна візитна картка Країни Висхідного сонця. Основною темою японської бронзи була краса навколишнього світу, населеного реальними чи фантастичними тваринами та птахами. Основи скульптурних зображень зазвичай оформлялися як частина природного довкілля. Це надавало особливу правдоподібність зображенням і відбивало підкреслену декоративність — особливість традиційного мистецтва, що передбачає осмислення кожного виробу, як більш широкого цілого.